VESTIDO Y CONTRARREFORMA EN LA CORTE DE FELIPE II: LAS VIRTUDES DEL TRAJE FEMENINO ESPAÑOL A TRAVÉS DE LA LITERATURA DE TRENTO

María Albaladejo Martínez

(Universidad Católica de San Antonio. Ciencias sociales y comunicación. Departamento de Educación. Murcia, España)

 

 

RESUMEN:

En la segunda mitad del siglo XVI la apariencia de la monarquía española comenzó a experimentar diversos cambios en favor de una imagen más sobria y moderada.

Buscando el origen de esa transformación del traje cortesano se ha hallado que, a medida que los teóricos del Concilio de Trento comenzaron a reflejar en sus tratados ciertas consideraciones sobre la manera de vestir, se fue desarrollando en España una nueva moda cortesana. 

Humildad y decoro fueron los valores que primaron en la apariencia de la monarquía de Felipe II. Especialmente a través de las reinas e infantas. El traje femenino durante este periodo reflejó un nuevo concepto de feminidad que propugnaba la compostura y lo pudoroso.

El presente artículo trata de abordar el análisis de diversos textos escritos a partir del Concilio de Trento y su posible influencia en el contexto femenino del momento.

Palabras clave: Contrarreforma, Monarquía, Felipe II, mujer, vestido.

ABSTRACT:

In the XVI century, the image of the Infant of Spain was a symbol of her female identity, model of her royal status and a sensible manifestation of the spirit which reigned in Philip II´s court.

Isabel Clara Eugenia and Catherine Michelle, daughter´s of Philip II and Isabel de Valois, embodied a distinguished appearance, paradigmatic and sobering, of the moral and asthetic values of the Spanish monarchy according to the Counterreform. The decorum of their dresses, the containment of their manners and the religious manners where a reflection of the new meaning of feminity, according to the Christian ideology of the institution they represented.

Therefore, in this essay, the influence of the Counterrform is being analyzed, in the creation of the image of Isabel Clara Eugenia and Catherine Michelle, and of those elements of their appearance which, belonging to their gender, gave prestige to the power of the monarchy and personified the approaches shown after the Council of Trent.

 

Keywords: Counterrform, Monarchy, Philip II, woman, costume

 

 

La contrarreforma en España y las nuevas modas. Contextualización Histórica.

 

En la segunda mitad del siglo XVI la apariencia de la monarquía española comenzó a experimentar diversos cambios en favor de una imagen más sobria y moderada[i].

Buscando el origen de esa transformación del traje cortesano se ha hallado que, a medida que los teóricos del Concilio de Trento comenzaron a reflejar en sus tratados ciertas consideraciones sobre la manera de vestir, se fue desarrollando en España una nueva moda cortesana. 

Humildad y decoro fueron los valores que primaron en la apariencia de la monarquía de Felipe II. Especialmente a través de las reinas e infantas. El traje femenino durante este periodo reflejó un nuevo concepto de feminidad que propugnaba la compostura y lo pudoroso[ii].

Las diversas contiendas militares contra la herejía y en el deber de transmitir las ideas del Concilio de Trento en España, marcaron la trayectoria de la monarquía hispánica y su lucha por mantener su supremacía en Europa[iii]. Conflictos como La Rebelión de las Alpujarras (1568-1571) en la península, el avance de los turcos por el mediterráneo,  el estallido de la  Guerra de los Ochenta años  (1568) en los Países Bajos y la posterior y temprana pérdida en 1579, de los Estados del Norte, [iv] hicieron tomar conciencia a la Corona de la necesidad de defender la fe[v].

Bajo el propósito de evitar la desmembración ideológica y política de su imperio, la corte de Felipe II encarnó los planteamientos expuestos por la Contrarreforma y los proyectó a todos los ámbitos de la vida cotidiana. Además, de celebrar a diario oficios litúrgicos, la  imagen de la dinastía de Habsburgo, personificó los ideales de la doctrina de Trento por medio de una indumentaria más decorosa, que distaba mucho de la moda de principios de siglo. 

A comienzos del siglo XVI, la moda era muy colorida y variada. La convivencia en España de los diferentes estilos de vestir acaecidos en los territorios del imperio de Carlos V, dio lugar en la península a una moda heterogénea en cuanto a diseños y colores[vi]. Sin embargo, conforme estos diferentes modos de ataviarse se fueron entremezclando y asimilándose en uno solo, fue surgiendo la moda española propiamente dicha, genuina y original de la corte de Felipe II, que se caracterizó además de por la escasa variedad en sus formas, por su rigor, contención e impronta decorosa, de acuerdo a la moral Contrarreformista[vii].

A menudo solía verse a Felipe II, vestido de negro, con cierto tono sobrio y severo,  haciendo gala de una apariencia muy diferente de la que exhibieron en su día los reyes que le precedieron. Según la historiadora Marzia Cataldo Gallo, “El negro tuvo una difusión creciente, proporcional a la expansión política de España y <<favorecida>>  por la gravísima crisis, provocada por la reforma luterana, que en los primeros decenios del siglo XVI sacudió los cimientos de la Iglesia Católica Romana. El negro fue recomendado como símbolo de seriedad y rigor tanto por los seguidores de la Reforma como de la Contrarreforma”[viii].

Felipe II, interesado por hacer prevalecer el espíritu sobrio y humilde de la Contrarreforma a través de su imagen, lo popularizó convirtiéndolo en el color más característico del atuendo español durante su reinado.

Ese ánimo ejemplarizante, instigador de devotas y buenas costumbres,  trajo consigo nuevos usos y modas en la península hispánica que transformaron entonces la apariencia de las reinas e infantas de la Casa de Austria.

El carácter nacional y contrarreformista del traje femenino fue mucho más acentuado que en la indumentaria masculina[ix]. La mujer, circunscrita a la vida familiar, se hallaba menos predispuesta a adoptar matices foráneos en sus atavíos y más orientada a acoger los preceptos que de la Iglesia emanaban.  Según recoge Kammen “Las mujeres eran consideradas un elemento importante pero subordinado en una estructura de poder masculina, y los escritores trataban de describir su papel dentro de esa estructura” entendida como matrimonio[x]. La reglamentación y la instauración de las nupcias como sacramento por parte de la Contrarreforma tenían por objeto cambiar la actitud hacia la sexualidad en la sociedad, censurando ciertas costumbres del mundo femenino en relación con la imagen y el vestido[xi].

Conforme a ello, a partir de los años sesenta del siglo XVI, el traje de la mujer intentó borrar todo signo de sexualidad, siendo la indumentaria de reinas e infantas el testigo principal y el modelo a seguir.

A través de las reinas Isabel de Valois, Juana de Austria y las infantas Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela, se observa como la apariencia hacia el último cuarto del siglo XVI, comenzó a representar un nuevo modelo de mujer acorde con la contención y la moderación. Los escotes, que tanto gustaron de lucir a sus antecesoras, desaparecieron para vestir una  indumentaria más recatada que cubría por completo sus cuerpos. El uso combinado de esta vestimenta con algunos artificios irrumpieron dando lugar a una moda con una gran carga simbólica. Estructuras como el verdugado y las tablillas de pecho escondían las formas femeninas y reducían la silueta a una figura geometría formada por dos triángulos invertidos. La amplitud que tomaba entonces la parte baja del vestido conquistaba el espacio y les otorgaba distancia y gravedad, asemejando la apariencia de las soberanas y princesas de la dinastía de Habsburgo a la de una imagen de vestir, intocable y repleta de artificios.

Estos cambios obedecieron las nuevas corrientes de pensamiento instauradas por los teóricos de Trento. Como señala Kamen: <<la guerra contra la carne caracterizó la mayor parte de las publicaciones de la Contrarreforma  (…)  La continua afirmación en tantas obras  de un ideal de amor en el que la sexualidad estaba cuidadosamente censurada perpetuaba en la sociedad una doble moral en la que la realidad de las costumbres sexuales entre la gente se ocultaba porque la auténtica moralidad era en realidad la aspiración oficial hacia el afecto no carnal>>[xii].

Consideraciones sobre el modo de vestir en algunos teóricos de la Contrarreforma

Las consideraciones, que la Contrarreforma propugnó en un principio acerca del modo de vestir, tenían por objeto elevar la apariencia del clero a la moral que su condición implicaba. El Sacrosanto y Ecuménico Concilio de Trento hizo referencias al atavío y al comportamiento que correspondía a la clerecía[xiii]. En la sesión XIV, capítulo VI, se observa como comienza a establecerse un arquetipo para la imagen pública de los religiosos a favor de los ideales que su apariencia debía personificar[xiv]. El texto dice así:

Aunque la vida religiosa, no consiste en el hábito, es no obstante debido, que los clérigos vistan siempre hábitos correspondientes a las órdenes que tienen, para mostrar en la decencia del vestido exterior la pureza interior de las costumbres (…)

Traigan siempre, además de esto, vestido decente, así en la iglesia como fuera de ella: absténgase de monterías, y cazas ilícitas, bayles, tabernas y juegos; distinguiéndose con tal integridad de costumbres, que se les pueda llamar con razón el senado de la iglesia[xv]. (Sesión XXIV, capítulo XII)

Ante la necesidad de predicar la doctrina de la castidad a la sociedad, muchos tratadistas de la época también hicieron alarde de estos postulados, sucediéndose así, gran cantidad de textos que pregonaban la decencia. La mujer, punto de mira de muchas críticas por parte de los eclesiásticos, era quien debía de guardar estos preceptos con mayor rigor acusada de apartar al hombre del camino de la virtud[xvi].

Estas ideas que se trasmitieron del ámbito religioso al civil, alcanzaron un gran ímpetu en la corte. <<Inmediatamente que concluyó el Concilio de Trento sus tareas, fue el primer cuidado de Felipe II mandar por un decreto la observancia más estricta en todos sus dominios de cuanto en aquella asamblea se había decretado (…) Fue sin duda Felipe II el príncipe católico que con más ardor trabajó y con más eficacia porque tuviese efecto. Sin duda era el primero de todos ellos en ser y preciarse de ser un hijo obediente de la iglesia>>[xvii].  Conforme a ello, fueron gestándose obras escritas que se hacían eco de estos pensamientos.

Francisco de Guzmán, hombre de la corte de Felipe II, coronel de la infantería de la guardia española desde el reinado de Carlos V,  publicó en el año 1565 su obra Decreto de Sabios. En ella, su autor, en clave de soneto, daba recomendaciones para convertirse en un hombre sabio cultivando diversas cualidades y evitando ciertos peligros. El tratado, que está dedicado a la sabiduría, virtud, prudencia, justicia, fortaleza, templanza, modestia, liberalidad, amistad, amor, fortuna, miseria,  locura, avaricia, ira, envidia, elocuencia,  arte militar, avisos a los príncipes y varias sentencias, muestra la preocupación por mantener una actitud prudente ante la mujer.  En lo que se refiere a la avaricia, Francisco de Guzmán advierte que el dinero <<saca del buen sentido mil vezes a los prudentes>>  y la codicia es capaz de  “turbar la prudencia”  tanto como la mujer y el vino [xviii].

Algunas de estas reflexiones las expresaba el dominico español, Fray Luis de Granada, en el manuscrito titulado Guía de Peccadores: en la qual se trata copiosamente de las grandes riquezas. Este texto, de 1568,  aprobado y revisado por el Concilio de Trento,  pone de manifiesto  la relación que la iglesia le atribuía al pecado, la apariencia y la mujer. Para Luis de Granada era conveniente <<guardar con diligencia todos los sentidos: mayormente los ojos de ver cosas que te pueden causar peligro (…) Y porque el mirar inconsideradamente las mugeres, o inclina, o ablanda la constancia del que la mira: nos aconsejo el Eclesiástico diciendo, No quieras traher los ojos por los rincones de la ciudad, ni por sus calles, o plazas: aparta los ojos de la muger ataviada y no veas su hermosura. Para lo qual nos debería bastar el exemplo del Santo Job, que (con Job ser varón de tanta santidad) guardaua muy bien sus ojos (como el mismo lo confiessa) no fiándose de sí, ni de tan largo uso de virtud, como tenia. Y si esto no basta, a lo menos devería bastar el de Dauid: que siendo varón santíssimo, y tan hecho, a la voluntad de Dios, basto la vista de una muger para traerle a tres tan grandes males, como: fueron, homicidio, escándalo y adulterio>>[xix].

La castidad y el pudor eran entonces valores fundamentales, que podían remediar la pérdida de la virtud, y el vestido la manifestación sensible para evitarlo. Conforme a ello, cuando Felipe II autorizó en 1574 a Diego Gracián para que realizara una nueva impresión de Los officios de Sant Ambrosio: que son reglas de las obras de virtud[xx], su autor expresaba la importancia de aguardar y mantener la prudencia, mesura y honestidad  <<para la salvación de las ánimas>>. El texto dice así:

La gracia de la moderación y la modestia, el cuydado de la honestidad, la consideración del honesto y decoro se considera y busca. Assí que hemos de tener vna orden de la vida, y traer los fundamentos desde la verguença, que es compañera y familiar de la tranquilidad, y placer del entendimiento, enemiga de la deverguença, agena de toda luxuria: ama la templança y sobriedad, abraça la honestidad, y requiere y busca aquel decoro y honesto[xxi].

 Igualmente, se refiere al modo de orar de la mujer y a la decencia del atavío femenino diciendo:

Este decoro y honra, asi como más excelente que todas las otras cosas, es de creer que le damos a Dios. A la muger también conviene en hábito ataviado orar: pero especialmente le conviene orar cubierta, y prometiendo castidad con buena conversación[xxii].

 

De acuerdo a estos textos, tan sólo un año más tarde, en 1576,  Massimiliano Calvi dedicaba Del tractado de la hermosura y del amor, a la <<Magestad de la Reyna Doña Ana>>, un manuscrito muy importante, por ser uno de los pocos dedicados a una reina, donde Calvi exaltaba las cualidades que debían de preceder a toda mujer. Según el autor “ni la gala y lindeza de los vestidos, ni la excelencia de las facciones corporales, ni la limpieza del linaje, ni la cantidad de la hazienda valen tanto para ser loada una muger,, quanto la templanza y modestia en todas sus cosas (…) pues la hermosura consta de las preparaciones que ha de haver por parte del cuerpo y del ánimo, y la virginidad no puede ser sin pudicicia, que es la más principal parte del ánimo , está claro que la doncella hermosa de cuerpo lo es también de ánimo, trahiendo siempre consigo la virginidad o pudicicia debaxo del nombre de doncella[xxiii].

Ana de Austria y las infantas Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela encarnaron estos valores con su soberbia y contenida apariencia, la cual sirvió de propaganda y representación del espíritu que reinó en la corte de Felipe II y que años más tarde aún estaba vigente.

En 1618, Juan Márquez en Origen de la Orden de los Frayles Ermitanos de la orden de San Agustín, Y su verdadera institución antes del Gran Concilio Lateranense, señalaba la importancia del decoro  en el siguiente texto:

Porque según doctrina de Santo ToMás fuera contra el decoro y decencia a que obliga a los hombres la virtud de la  honestidad, que tiene por cosa horrible descubrir las partes que la naturaleza con tanto cuydado escondió en el cuerpo, qué quanto ellas son menos dignas de parecer en público, han de ser tratadas (como dize  San Pablo) con mayor honra, y cubiertas con Más decencia y ornato[xxiv].

 

Las hijas de Felipe II representaron un hito, un modelo a seguir para sus sucesoras, marcando un antes y un después en la apariencia de las soberanas e infantas de la Casa de Austria del primer tercio del XVII.

 

El traje femenino en la corte de Felipe II. La apariencia de Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela.

 

Las infantas Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela reflejaron a través de su apariencia  el influjo en España de los ideales de la Contrarreforma.

Desde los años sesenta la indumentaria de la que hicieron gala las hijas de Felipe II se caracterizó por su impronta ponderada y distinguida. Su vestimenta cubría por completo el cuerpo femenino, envuelto y protegido por varias piezas que componían el traje de etiqueta creando volúmenes y juegos de artificio.

Por encima de la ropa semi-interior, la camisa y el manteo, las infantas vistieron ciertos artilugios que, aunque no se mostrasen  al exterior  se intuían y se percibían dándole al vestido de etiqueta su impronta honorable y solemne, y a las infantas la apariencia de princesas cristianas con un porte y una belleza lánguida, a la vez que ampulosa y delicada. A través del verdugado y las tablillas de pecho,  el traje femenino español se convirtió en una construcción suntuosa capaz de ensalzar y proteger la efigie regia de la infanta de España. El verdugado y las tablillas de pecho se apropiaban del cuerpo, lo ocultaban, limitaban sus movimientos y lograban unas dimensiones que llenaban el espacio, estableciendo una distancia simbólica y física, que otorgaba empaque y grandeza a sus figuras, contribuyendo a que  la aparición de la infanta se asemejase a una puesta en escena con tintes que oscilaban entre lo teatral y lo sacro.

Las tablillas de pecho acentuaban la delgadez y ocultaban las curvas sinuosas del cuerpo femenino [xxv]. Asimismo, el uso de  otras piezas como  la cota y la almilla contribuían a acentuar la lisura del torso. La cota, que aparece documentada en las cuentas de palacio desde 1579[xxvi], consistía <<en un jubón fuerte y pespuntado, que ninguna arma podía atravesar, usado desde antiguo a modo de armadura de cuerpo>[xxvii] En un primer momento se fabricaba con cueros retorcidos y anudados pero, posteriormente, según Covarrubias, pasó a realizarse con mallas de hierro o alambre gordo.  Junto a él,  la almilla  también aparece entre las cuentas  con fecha de 1597[xxviii]. Ésta era una especie de jubón ajustado al cuerpo de uso semi-interior que constaba de mangas. Se utilizaba para el frío y para guardar algún objeto de adoración, favoreciendo la desaparición del busto, oprimido también por este corpiño[xxix].

El verdugado cubría la parte inferior de la figura y servía para dar rigidez y ahuecar el traje exterior. Este armazón de madera, vestido a continuación del manteo, se fabricaba con verdugos,  ramas o renuevos de los árboles[xxx]. La flexibilidad de los verdugos permitía crear aros que se forraban y se acoplaban a una enagua, dándole al vestido externo una gran amplitud[xxxi]. Su uso se difundió especialmente dentro del círculo cortesano, siendo fue muy utilizado por las altas clases sociales y, muy pocas veces por el pueblo llano, ya que era una  pieza muy incómoda, que impedía la libertad de movimientos en el trabajo[xxxii].

La saya, basquiña y jubón eran las piezas exteriores que configuraban el traje de etiqueta propiamente dicho. La saya era un vestido de cuerpo entero con cola, cerrado en ocasiones en su parte inferior por alamares y puntas[xxxiii]. Por el contrario, la basquiña consistía en una <<falda exterior cerrada y sin cola>>[xxxiv] que se vestía con jubón, un corpiño a juego de talle más puntiagudo[xxxv]. Ambos se caracterizaron por envolver la parte alta del busto, anteriormente siempre al descubierto.

Desde entonces, la gorguera o lechuguilla adquirió gran protagonismo. Este  accesorio de encaje rizado, que decoraba y abrigaba el cuello enmarcando el rostro, apareció en la indumentaria cortesana en la segunda mitad del siglo XVI.  Recibió este nombre por su semejanza con  <<las ondas de las lechugas encarrujadas>>, que comenzaron siendo pequeñas y en su tiempo, dice Covarrubias <<habían crecido tanto que más parecían hojas de lampazos, que de lechugas>>. Su tamaño, su rigidez  y blancura la convirtieron pronto en un símbolo de linaje, ya que sólo aquellas personas que no trabajaban con sus manos, podían llevar un artefacto, cuyas dimensiones impedían mover la cabeza airosamente, y cuyo color exigía limpieza e higiene[xxxvi].

Asimismo, de la cintura a los pies, el cuerpo quedaba totalmente oculto. el guardapiés, pliegue de la parte inferior del vestido que ocultaba un dobladillo, permitía tomar asiento sin descubrir los pies, un gesto inadecuado y liviano para la moral de la época. Hernando de Talavera en su Tratado sobre la demasía en el vestir, calzar y comer, escrito en 1477, daba testimonio de ello diciendo:

E avn porque la honestad y verguença ha de ser mayor en las personas ecclesiasticas y en las mugeres que en los seglares y en los varones  por esso los clérigos y mugeres trahen y han de traher ropas luengas que cubran pies e piernas y no tanto los varones[xxxvii].

 

El protagonismo que adquirió el color negro en la vestimenta del siglo XVI, fue otro de los aspectos más característicos del atuendo español durante el reinado de Felipe II[xxxviii]. A finales del siglo XIV, la corte de Borgoña  adoptó este color en su vestimenta y lo transmitió al resto de cortes europeas, siendo Felipe II quien lo popularizó interesado en encarnar el espíritu recatado de la Contrarreforma[xxxix].

Los avances en lo que respecta a los tintes también contribuyeron a su difusión. Desde el descubrimiento de América, el palo de Campeche, raíz de la que se obtenía este colorante, otorgó la posibilidad de obtener un negro con una tonalidad muy oscura y brillante hasta entonces nunca vista[xl].

Símbolo también de boato,  este color utilizado por la monarquía española reflejaba, según Pastoureau, <<la fusión de dos negros: el  negro de los reyes y príncipes nacidos en la corte de Borgoña, emblema de lujo y distinción, y el negro de la Contrarreforma, signo de humildad y de lucha contra la herejía>>[xli].

Baldassare Castiglione en su libro El cortesano señalaba que el atavío negro imponía  distancia y gravedad con estas palabras:

Me parece que tiene más gracia y autoridad el vestido negro que el de otra colora y ya que no ser negro, sea a lo menos oscuro[xlii].

El hecho de que ofreciese la oportunidad de hacer desaparecer los últimos coletazos de la colorida moda musulmana en la península, favoreció también su uso y su estatus como seña de identidad de la corte española[xliii]. El negro fue uno de los signos distintivos de la monarquía hispánica, siendo un color muy habitual en la vestimenta de Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela. No obstante, cabe señalar que el colorido en la indumentaria de  hijas del monarca Felipe II fue mucho más rico y variado que en la del rey. De esta manera, la apariencia, de Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela, atemperó la austeridad que reinaba en la corte española de finales del siglo XVI y a través de sus vestidos y la riqueza de sus adornos, expresaron el prestigio y la ideología de su padre. Mientras el monarca hacía valer con su imagen sencilla las ideas de la Contrarreforma, sus hijas reforzaron estos principios valiéndose de otros preceptos. Ataviadas con trajes y aditamentos que superaban en lujo y en profusión a los del rey, como también correspondía a su condición femenina, consolidaron su apariencia  como <<princesas cristianas>> subrayando la importancia de la contención y del decoro a través de su indumentaria.

La imagen de estas princesas perduró hasta prácticamente el primer tercio del siglo XVII. Conforme los conflictos que acuciaban a la monarquía hispánica fueron deteriorando su hegemonía política en Europa y mermando su economía, la influencia de la Contrarreforma fue haciéndose menos visible en la imagen de la Corona Española.

En las postrimerías de esta centuria la Casa de Austria se hallaba inmersa en numerosos problemas económicos, consecuencia de las diversas campañas militares[xliv]. La mayoría de la riqueza del reino iba a parar a la defensa de Flandes, a la protección del norte de África y a la salvaguardia naval de las costas portuguesas que pasaron a formar parte de la Corona sin beneficio, con la incorporación de Portugal en 1580[xlv].

Como el derecho de comerciar con las Indias sólo estaba reservado para España, surgió el contrabando de mano de potencias extranjeras como Inglaterra, quien violó frecuentemente el acuerdo de exclusividad, actuando su flota constantemente, con barcos corsarios, en una guerra protagonizada por la Armada Invencible de 1588, de la que España salió muy poco favorecida[xlvi]. La crisis del comercio de ultramar España-América  ocasionó uno de los problemas monetarios más graves para a la monarquía hispánica.

Las diversas complicaciones económicas y el agotamiento de los modos y modas que surgieron en época de Felipe II, fueron declinando en tiempos de Felipe IV, el interés por  encarnar estas ideas a través de la imagen de la Corona y favoreciendo la adopción de otra indumentaria donde el cuerpo se tornaba más libre y sensual. Hacia los años treinta las infantas y reinas de España personificaron una apariencia menos contenida que la de sus antecesoras. María Teresa de Austria, hija de Isabel de Borbón y Felipe IV, Mariana de Austria, segunda esposa de este monarca y la infanta Margarita, adoptaron una moda menos recatada y más afrancesada. Según Bernis <<al avanzar el siglo XVII, se fue afirmando la originalidad y la influencia de la moda francesa, hasta que Francia acabó suplantando a España, en el terreno de la moda, como la suplantó también en su papel de primera potencia europea>>[xlvii].

Alonso de Carranza señalaba esta influencia  en su Discurso contra los malos trajes y adornos lascivos, escrito en el año de 1636.

Este texto dice así:

Más todo efto es fombra de la penalidad que viven nuestras españolas con el nueuo trage pomposo, y ya como a porfia y emulación tan aumentado con nueuos, y extraordinarios instrumentos de enaguas almidonadas, polleras, guarda-infantes de fuertes y doblados arcos (hafta de hierro o alambre de grueffos hilos) verdugados con verdugos desde fu nacimiento, con que andan[xlviii].

 

A partir de entonces el  traje español que surgió animado por la doctrina de Trento desapareció, hallándose en las hijas de Felipe II el emblema de la imagen regia y católica que su padre impuso.

Conclusiones

En el siglo XVI, Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela, hijas de Felipe II y de Isabel de Valois, encarnaron la apariencia insigne, paradigmática y aleccionadora de los valores morales y estéticos de la monarquía española de acuerdo con la Contrarreforma. El decoro de sus vestidos, la contención de sus modales y sus costumbres religiosas fueron reflejo de un nuevo concepto de feminidad, acorde a la ideología cristiana de la institución que representaban. La mujer ostentaba el papel de madre y esposa y, conforme a los teólogos de la Contrarreforma, debía de ocultar su sexualidad[xlix].

La literatura Tridentina y el carácter confesional de la Corte española contribuyeron a que esa influencia fuese notoria, asistiendo a diversos cambios  en la apariencia de las infantas.

Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela atemperaron la austeridad que  reinaba en  la corte española de finales del siglo XVI y subrayaron la importancia de la contención y del decoro a través de su indumentaria mostrándose como princesas cristianas. Ésta  que, cubría con totalidad sus cuerpos, disimulaba las formas femeninas y las hacía inaccesibles a través del dominio del espacio, creando una barrera física y simbólica entre las infantas y sus súbditos, de acuerdo a los principios de castidad que el Concilio de Trento pregonó a través de sus sínodos.

En el siglo XVI, la imagen de la Infanta de España fue símbolo de la identidad femenina de su tiempo, modelo de su condición regia y manifestación sensible del espíritu que reinó en la corte de Felipe II.

 

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Archivo General de Palacio (AGP)

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